¿Qué es Arte para Aprender?
Un museo se define como un espacio de apreciación artística en el cual el espectador llega a una experiencia estética desde el acercamiento a la obra. Suele ser un proceso personal, individual en el cual el visitante tiene una actitud pasiva respecto a la obra. En el mejor de los casos, un mediador cultural describe o explica los contenidos de las obras de arte expuestas.
Hace ya mucho tiempo, las instituciones culturales se han dado cuenta que los procesos de mediación cultural existentes no han logrado crear lazos entre la obra de arte contemporáneo y público y que el arte, especialmente el contemporáneo, sigue siendo un campo hermético para muchos que intentan acercarse a él. La creación de programaciones educativas en los museos ha intentado paliar estas deficiencias mediante actividades específicas que permiten un mejor entendimiento de las obras de arte. A pesar de estos esfuerzos para acercar el arte al espectador, el espacio museístico sigue siendo un espacio de disfrute estético para los que poseen conocimientos artísticos y aparentemente oscuro e indescifrable para los demás.
Desde nuestra metodología, consideramos que las obras de arte son elocuentes por sí mismas y provocan al espectador ideas estéticas (sensibles, e informativas) que en realidad todo el mundo percibe. Nuestra tarea de mediación no es poner otras ideas en la cabeza del espectador (contexto histórico, datos biográficos del autor, explicaciones estilísticas, etc) sino que la tarea del mediador es facilitar el encuentro entre las ideas estéticas que propone la obra y las necesidades y capacidades de apreciación del espectador. La concepción del arte como algo difícil de comprender surge de la equivocada tarea de mediación que realizan las instituciones museísticas y las estructuras de comunicación del mundo del arte. En realidad, el arte funciona de forma muy intuitiva, y el arte contemporáneo explota estas capacidades en especial, porque utiliza claves muy sencillas: el material, la escala, el orden de elementos, las sugerentes metáforas sociales, etc. Pero por desgracia hemos construido muy a menudo estructuras que confunden al espectador y le hacen pensar que no está capacitado para entender lo que ve, lo que toca, lo que escucha o lo que recorre. En realidad lo hace, pero no se da cuenta del valor de lo que encuentra. Nuestra tarea es hacerle ver que lo que está viviendo es extraordinario y vale la pena.
Nuestras propuestas deberían emocionar a los autores de las obras que exponemos al promover que los espectadores no sólo admiren el logro de los artistas, sino que compartan su pasión, las emociones que les guiaron en su proceso de creación, la obstinada necesidad de crear.
Nos interesa transformar la idea de que los artistas trabajan sólo para sí mismos, demostrando que la creación artística contemporánea puede tener un impacto social evidente especialmente en el ámbito educativo. Los artistas pueden promover el conocimiento y disfrute de lo artístico en grandes audiencias. El arte puede estar interesado en enseñar arte.
Nos interesa transformar la idea de que la educación artística es cosa de acciones individuales, manualidades, ejercicios escolares de poco valor. La creación del público, gracias a las estrategias del arte contemporáneo puede ser acumulativa, viva, libre, informada, inteligente, sensible y poética. Puede ser extraordinaria.
Nos interesa transformar la idea de que el museo es un templo en el que el respeto y la quietud y la seguridad de las obras sean los valores supremos que incluso supriman la transferencia social que les da sentido y ser en nuestra sociedad. Un museo debe ser una estructura de posibilidades, no un lugar de prohibiciones. Respetar el arte debe proceder del reconocimiento del valor que el público le concede. Y tal valor nunca existirá si el público no comprende, no contacta y no lo siente como propio. La conservación del patrimonio no es un valor superior a la vivencia de la cultura. Las obras de arte deben ser respetadas, cuidadas y conservadas, pero creemos que es mucho más importante que la sociedad viva su patrimonio.
Este proyecto cada año diseña una exposición de unas diez obras seleccionadas de entre la Colección de Arte Contemporáneo del Museo CajaGRANADA. Cada obra se estudia a fondo como imagen, como poética, como metáforas contemporáneas y a partir de éste análisis, el equipo de investigación en educación artística propone el diseño de instalaciones y acciones performativas artístico-pedagógicas que promuevan la actividad lúdica, informada, colaborativa, ordenada y que continúe la lógica visual y conceptual de la obra que se trabaja. El público participante, va creando progresivamente ésta instalación con sucesivas acciones. La obra de arte utilizada en cada caso como referencia debe quedar integrada en la instalación artística final.
Se pide a los espectadores sumergirse en la creación siguiendo los intereses y lenguajes de los artistas expuestos. La actividad creadora de los espectadores es la que les conduce en su proceso de aprendizaje y comprensión profunda de la obra y no la explicación de ningún mediador de museo.
La creación es la clave metodológica en todo el proceso: Los artistas expuestos han dejado su legado intelectual y poético codificado visualmente en sus obras. El equipo docente de Arte para Aprender Arte crea instalaciones y performances para que el público establezca conexiones con dichas obras expuestas. El público desarrolla sus intuiciones a partir de las obras y teniendo en cuenta la creación de los espectadores que pasaron por la exposición anteriormente.
Se trata de una aproximación social y colaborativa y basada en imágenes de la mediación en museos y de la educación artística.
El resultado es una nueva obra de arte: integrada por la imagen de la colección de CajaGRANADA y reelaborada de forma colectiva por las acciones artísticas de los espectadores entorno a ella. Esta nueva obra a veces se transforma con el paso de los días. No está predeterminada más allá de un comienzo lúdico a partir de algunas premisas que sugieren posibilidades de comprensión.
